Песня эта соната напоминает все что нам свято
И, недоступна власти злата,
Пройдя сквозь сумрачность времён,
Мерцает Лунная Соната,
Даря ночам жемчужный сон;
Плэйкаст «Лунная соната»
Словами любовь объяснить невозможно,
влюблённый и юный Бетховен без слов
мелодией «Лунной сонаты» тревожной
любимой своей рассказал про любовь.
В грустные дни, в дни разлук и ненастья
пусть свято помнит любой –
музыка – это улыбка и счастье,
музыка – это любовь!
В окошке звезда одиноко мерцает,
на клавишей ряд лунный лучик упал.
В ночи на рояле маэстро играет
сонату, которую лунной назвал.
Не спится Бетховену ночью, не спится,
плывёт над землёю мотив неземной,
и плачет рояль… В лунном свете ресницы
дрожат у любимой от музыки той.
В грустные дни неудач и печалей
пусть свято помнит любой –
музыка – это не только звучанье,
музыка – это любовь!
(с)
«Лунная соната» Бетховена в современном исполнении
Лунная соната (1-я часть) в исполнении американской группы
E.S. Posthumus.
Все, кому не безразлична музыка как искусство знают, или как минимум слышали Лунную сонату, сочинённую Бетховеном в 1800-1801 годах. Маэстро посвятил её горячо любимой женщине — Джульетте Гвиччарди, на которой мечтал жениться. Но. случилось так, что 17-летняя графиня предпочла ему другого. Это событие, так сильно ранившее сердце влюблённого Бетховена, совпало по времени с другими его жизненными испытаниями: прогрессирующей глухотой и страхом потери возможности творить. Не имея возможности высказать свою душевную боль словами, маэстро делает это музыкой. На свет появляется «quasi una Fantasia»- (вроде как фантазия), или просто Соната для фортепиано No14 до-диез минор. А «Лунной» её назвал не автор, а один немецкий поэт, сравнивший первую часть произведения с прекрасным пейзажем Фирвальдштетского озера в лунную ночь.
Соната состоит из трёх разных по настроению частей, которые вот уже более двухсот лет позволяют нам переживать и чувствовать то же самое, что переживал и чувствовал сам Бетховен, создавая её.
Первая, которую вы сейчас слушаете — самая известная. Именно её чаще всего исполняют музыканты и именно она ассоциируется у большинства с её названием. В процессе поиска лучшего, на мой вкус, исполнителя первой части, мне пришлось нелегко. Столько прекрасных музыкантов и все такие разные и при этом такие талантливые! Кого же выбрать?
В результате больше всего понравились E.S. Posthumus.
Необычайно нежное и в то же время такое сильное исполнение! Только от них встрепенулись мои мурашки. Очень желательно слушать в наушниках.
Первая, которую вы сейчас слушаете — самая известная. Именно её чаще всего исполняют музыканты и именно она ассоциируется у большинства с её названием. В процессе поиска лучшего, на мой вкус, исполнителя первой части, мне пришлось нелегко. Столько прекрасных музыкантов и все такие разные и при этом такие талантливые! Кого же выбрать?
В результате больше всего понравились E.S. Posthumus.
Необычайно нежное и в то же время такое сильное исполнение! Только от них встрепенулись мои мурашки. Очень желательно слушать в наушниках.
Вторую знают гораздо меньше, она не такая эффектная, хотя по-своему тоже очень красива.
Ну а третья популярна почти как первая.
Как по мне — так это три совершенно разных музыкальных произведения, объединённых гениальным автором в одно. На то они и гении, чтоб удивлять и озадачивать.
Исполнитель, вернее исполнительница третьей части Tina S меня просто поразила своей техникой!
Из блога: музыка для души
У меня чёрный кот начал метаться по квартире когда я включил видео O_o
Червяк Джим и Лунная Соната
Много лет не мог понять, откуда мне знакома эта композиция Бетховена и почему она всегда казалась такой родной. На днях наткнулся в рекомендациях на прохождение старой игры Червяк Джим 2 от первой плейстейшн, решил поностальгировать, и на четвертом уровне («Villi people») наконец нашел ответ на свой вопрос, пустив слезу))
У меня даже без гитары так не получится
О звуке и записи песен
Лишь соло партии и вокал пишем вот на этот микрофон. Slate Digital/ Virtual Microphone System.
Он нейтральный. За счёт примочек и плагинов (настройки такие в компьютере) виртуально можно накрутить звук любого микрофона.
Надо сказать ещё, что теперь, конечно, благодаря»цифре» и компьютерам можно пробовать варианты в студии или дома пока не надоест. А раньше всё было намного сложнее. Причём ещё совсем недавно записывали звук на таких штуках:
Так играли, пока полностью вступление не сошлось.
Затем нужно было понять темп и рифф. Шо с ней делать?! С песней. Не тупо же переигрывать? Переиграть- не интересно. Она не сложная. Мы не ищем лёгких путей!
Виолончель тоже спускаем на тон ниже. Ниже-тяжелее. Она 5ти струнная. Нижнюю струну и спускаем.
Пока используем драм машину- чтоб все было ритмично. Ударник (труда тоже) потом отдельно запишет партию на готовый костяк.
Да, забыл сказать, что соло скрипку мы в какой-то момент пишем- в этом нет закономерности. Георгий придумывает всегда соло себе сам. Сам придумал-сам сыграл. И тут главное быстро поймать этот момент- пока он соло не забыл. Так проще всего.
После того, как «собрана» песня можно подумать и за видео..
Буду рад, если кому-то это было интересно либо полезно. Спасибо за внимание.
Результат всех усилий здесь:
Это произведение Бетховена на протяжении многих лет является одним из самых известных шедевров мировой музыки. Оно не было известно при жизни Бетховена и было обнаружено только почти через 40 лет после его смерти. Личность «Элизы» достоверно не установлена.
Произведение было написано около 1810 года, однако опубликовано лишь в 1865 г. немецким музыковедом Людвигом Нолем, который и предоставил пьесе ее современное название.
В 1865 году биограф композитора, музыкант Людвиг Ноль (1831—1885), обнаружил рукопись «К Элизе» у Бабетты Боредль в Мюнхене. Рукопись состояла из альбомного листа с посвящением и нотами. На альбомном листе рукой Бетховена было написано: Элизе на долгую память от Л. в. Бетховена, 27 апреля. Год указан не был, однако на нотах, прилагавшихся к посвящению, имелись также наброски к появившемуся в 1810 г. «Эгмонту» (опус 84), что позволяло датировать рукопись 1810 г.
В 1867 г. Людвиг Ноль впервые опубликовал имевшиеся у него материалы в том виде, в котором мы знаем эту фортепьянную пьесу теперь, но сама рукопись вскоре бесследно исчезла.
Доподлинно неизвестно, кем была «Элиза» (существуют различные версии относительно интерпретации названия пьесы).
Le Figaro: «слишком белый, слишком старый, слишком мужчина» — в юбилейный год Бетховена захотели «отменить»
«Культура отмены» добралась до классики: пока по всему миру из-за пандемии отменяли мероприятия в честь 250-летия со дня рождения Бетховена, в англоязычных СМИ его произведения назвали символом дискриминации и элитизма классической музыки, пишет Le Figaro. Музыковед Бернар Фурнье встал на защиту великого немецкого композитора: он утверждает, что активное обсуждение наследия Бетховена объясняется современностью созданных им шедевров, а продвижение общечеловеческих ценностей делает из него фигуру мирового искусства.
Независимая газета Кембриджского университета Varsity 25 декабря опубликовала на своём сайте статью, где задавался очень серьёзный вопрос: нужно ли «отменить» Бетховена? «Странный рождественский подарок для композитора, чей 250-летний юбилей праздновали 10 дней назад», — рассуждает Le Figaro. Однако в 2020 году, когда во всём мире должны были чествовать автора многочисленных шедевров классической музыки, всё пошло не совсем так, как задумали — и коронакризис стал не единственной песчинкой, которая остановила машину.
Пандемия привела к отмене большей части запланированных празднеств в прошлом году, включая Бетховенский фестиваль в его родном городе Бонне. Но этим всё не закончилось: осенью в англоязычном сообществе разгорелись оживлённые споры о том, что знаменитый композитор «слишком белый, слишком мужчина, слишком устаревший» (too pale, too male, too stale). Таким образом, предполагает французская газета, автор «К Элизе», «Оды к радости» и «Лунной сонаты», которые относятся к самым знаменитым произведениям классической музыки, стал для некоторых символом культуры, которая продвигает превосходство белой расы, мужчин и консерватизма.
Как рассказывает французское издание, причиной полемики стала статья «Как Симфония №5 Бетховена закрепила «классицизм» в классической музыке», которую в сентябре опубликовал американский сайт Vox. В тексте утверждалось, что с 1808 года эту «борьбу до победного конца» интерпретировали как метафору силы духа композитора перед неотвратимо наступающей глухотой — «или скорее на протяжении долгого времени это было устоявшееся мнение среди людей у власти, особенно белых богатых мужчин, которые приняли Бетховена и сделали из симфонии символ своего превосходства и важности». Для некоторых же групп — женщин, представителей LGBTQ и расовых меньшинств — эта симфония, по мнению авторов, «может главным образом стать напоминанием об истории дискриминации и элитизме классической музыки».
Такое утверждение спровоцировало гнев многочисленных защитников Бетховена и является «искажением истории», как настаивает музыковед и лектор Бернар Фурнье. Выдающийся специалист по шедеврам Бетховена, автор монументальных трудов о его произведениях, он не скрывает своего возмущения полемикой, зародившейся по ту сторону Атлантики. Эксперт напоминает, что Пятая симфония — «это просто энергия музыки против фашизма»: не случайно начало этого произведения стало лейтмотивом Radio Londres — французского радио сопротивления, вещавшего из Лондона в 1940—1944 годах, а отрывок из Девятой включают каждый раз, чтобы отметить победу мира или свободы. «Это произведения, которые своей энергией призывают сопротивляться мировым потрясениям», — подчёркивает Фурнье. Поэтому для него поднятый некоторыми англоязычными СМИ вопрос об «отмене» Бетховена, который якобы занимает слишком большое место в истории и затмевает наших современников, не является серьёзным. «Эта кампания — лишь очередная выдумка некоторых крикливых идеологий», — уверен музыковед, который видит в ней две задачи. С одной стороны — «желание свергнуть любой ценой кумиров и той эры героев, частью которой является Бетховен — символ силы духа человека, который преодолел драму своей глухоты». С другой — «вызывающая беспокойство эволюция музыковедения в сторону прикладной социологии и в ущерб научной точности, которую оно предполагает».
Французская газета отмечает, что катализатором такой тенденции стало движение Black Lives Matter. Примером этому служит призыв «деколонизировать музыку», который в форме открытого письма получили на музыкальном факультете Кембриджского университета. В нём сотни подписавшихся осуждают «расизм в изучении и интерпретации классической западной музыки». По их мнению, он является «хронический и комплексной проблемой, которая воспроизводится самой структурой культуры классической музыки» и приводит к исключению «небелых» композиторов из учебного материала.
В конце своего анализа Le Figaro задаётся вопросом: почему спустя 250 лет после своего рождения Бетховен оказался жертвой возвращения в поле общественной дискуссии, так что даже стал самым цитируемым композитором в интернете за 2020 год по данным платформы SoClassiq. Возможное объяснение этому феномену Фурнье видит в постоянной актуальности его наследия: «Независимо от эпохи, он всегда наш современник». Современность Бетховена эксперт находит в инновационных музыкальных приёмах, которые повлияли на развитие музыки и предвосхитили джаз, передаче идей в соблюдении идеального баланса между субъективным и универсальным, а также провозглашение общечеловеческих ценностей, которые делают его, хотим мы этого или нет, фигурой мирового искусства.
Набрав в поисковике «лунная соната бетховен», на всех сайтах нам будут рассказывать красивую историю о безответной любви Бетховена к своей ученице, Джульетте Гвиччарди, которая была такая легкомысленная, вышла замуж за другого, и бедный Бетховен так страдал, так страдал, что написал Лунную сонату о своих чувствах.
Однако эта растиражированная история не имеет никаких серьезных подтверждений. Бетховен действительно посвятил эту сонату Джульетте. Но он с таким же успехом посвящал другие сочинения другим своим ученикам. И нет ни одного реального доказательства, что у Бетховена с этой девушкой были хоть какие-нибудь отношения или чувства.
«Лунной» эту сонату Бетховен не называл. Уже после смерти композитора одному немецкому поэту и музыкальному критику, Людвигу Рельштабу, эта музыка напомнила ночную картину Фирвальдштедского озера, залитого светом луны. Он и дал ей название «Лунная». Но надо понимать, что Рельштаб вообще прославился тем, что часто ошибался в оценке музыкальных произведений. Например, он писал разгромные статьи в адрес Шопена о его якобы бездарности.
Существует версия, что это сочинение вовсе не о природе, и не о любви. Предлагаю посмотреть на Лунную сонату с несколько иного ракурса.
Особенно показательно начало мотива. Некоторое время мелодия не может оторваться от исходного звука. Прежде чем хоть чуть-чуть сдвинуться с места, он повторяется шесть раз. Но именно это шестикратное повторение дважды воспроизводят узнаваемую ритмическую формулу — это ритм траурного марша.
На протяжении сонаты эта ритмоформула будет возвращаться неоднократно и настойчиво. А в конце исходный мотив снова и снова будет повторяться в мрачном низком регистре (на видео с 5:10). Справедливость ассоциаций со смертью не оставляет сомнений.
В отличие от домыслов о несчастной любви или залитого лунным светом озера, есть достоверный факт, что при создании сонаты Бетховен вдохновлялся совершенно конкретной оперной сценой. В эскизную тетрадь, где зафиксированы первые наброски будущего шедевра, композитор выписал фрагмент из оперы Моцарта «Дон Жуан»:
Там есть сцена, когда Дон Жуан убивает Командора. Командор умирает, всё цепенеет, чувствуется дыхание смерти. Отсюда Бетховен и взял повторяющиеся триоли аккомпанемента и идею полиритмичного основного мотива.
Для сравнения ноты самой Лунной сонаты:
Получается, что «Лунная соната» вовсе не о романтической любви.
И недаром в 2017 году режиссер Дэвид Линч использовал материал Лунной сонаты в 8 серии Твин Пикс, сильно замедлив бетховенскую музыку. Измененная таким образом до неузнаваемости, она стала лейтмотивом Черных Лесорубов – мрачных мистических существ из потустороннего «Черного Вигвама», места обитания злых духов (примерно с 1:00):
Лига Оркестровой Музыки
244 поста 1.3K подписчик
Правила сообщества
1.Не делайте то, что запрещено правилами Пикабу.
2.Не заливать посты не по теме Лиги.
3.Чистое звучание произведений.
Сама соната из трёх частей состоит. И вы рассказали про прекрасную первую часть.
прочитал с интересом, спасибо!
У меня это произведение всегда вызывало ассоциации с медленным уходом на дно морское, в тьму, где таких «ушедших» уже полным полно. Тихо-зловещая она для меня, не знаю, как выразить точнее.
Очень трудно исполнять всем известные вещи, я слушал сотню исполнений этой сонаты, видео в посте с исполнением Эмиля Гилельса очень понравилось, очень хорошее душевное исполнение, без переигрывания, с акцентами в нужных местах, без нервозности и излишней слащавости. Спасибо.
Оркестр, который не умеет играть
Люди, не имеющие необходимых навыков игры на музыкальных инструментах собирают аншлаги. Их треки штурмуют вершины хит-парадов, пластинки расходятся приличными тиражами, а записи становятся культовыми, даже приобретая статус «мема».
Думаете, такое невозможно в мире классической музыки?
Думаете это шутка? Прикол? Нет!
Вот настоящая запись настоящего оркестра. Именно так интерпретируют эпическое начало Пятой симфониии Бетховена музыканты оркестра Portsmouth Sinfonia:
Основу оркестра составили студенты Портсмутского колледжа искусств. Принимались все желающие, независимо от умений, наличия опыта и музыкального слуха. Исполнители должны были быть незнакомы с выбранным инструментом. Главным было искреннее желание играть и не пропускать репетиций!
Вот так оркестр прошелся по «Пещере горного короля» Эдварда Грига:
Досталось и «Танцу феи драже» Чайковского:
Изначально планировалось, что оркестр соберется, прорепетирует и выступит один-единственный раз, однако впоследствии ‘Portsmouth Sinfonia’ стал культурным феноменом и выступал на концертах и записывался еще более десяти лет.
Вот наиболее яркие газетные эпитеты тех лет: «самая забавная вещь со времен Аттилы, предводителя гуннов», «великолепная декадентская шутка», «отвратительная трата времени». Назвав интерпретации Баха и Бетховена «ошеломляющими», журналист пишет: Sinfonia провозглашает себя как «оркестр, который не умеет играть». Критерием членства в нем является страсть, а не мастерство, энтузиазм, а не глянец. В течение вот уже четырёх лет Sinfonia изобретательно калечит классику в таких цитаделях классической помпезности, как «Зал Пёрселла», «Зал Королевы Елизаветы» и «Королевский Альберт-холл», радуя зрителей энергичным, хотя и приблизительным исполнением любимых произведений.
Последний, вышедший в 1981 году сингл оркестра назывался «Classical Muddly», что переводится как «Классическая Муть». Старые записи оркестра соединили, ускорили и наложили на них примитивный диско-бит. Вышло что-то вроде попурри:
Шесть бемолей к чешскому пиву
Неудивительно, что «Юмореска №7» чеха Антонина Дворжака была обречена стать хитом, причем еще при жизни композитора.
Начало (0:05) и конец (2:20) мелодии в «Юмореске» сильно отличаются от середины (1:35), и, тем не менее, они идеально сочетаются друг с другом. Вот как нужно работать с контрастом! Слушатель не ощущает разрыва или надлома в мелодии, искусственного перехода, вся мелодия звучит очень органично.
Многие музыкальные эксперты утверждают, что этот центральный отрывок наиболее прекрасен, что он недооценен историками музыки и слушателями, которым больше нравятся вводная и заключительная части.
Однако были и такие смельчаки, кто хвастался, что умеет исполнять «Юмореску №7», правда, играли они ее зачастую не в соль-бемоль мажоре, а в обычном соль-мажоре. К их счастью, у подвыпивших гостей чешских пабов и пивных вряд ли был абсолютный слух…
Червяк Джим и Лунная Соната
Много лет не мог понять, откуда мне знакома эта композиция Бетховена и почему она всегда казалась такой родной. На днях наткнулся в рекомендациях на прохождение старой игры Червяк Джим 2 от первой плейстейшн, решил поностальгировать, и на четвертом уровне («Villi people») наконец нашел ответ на свой вопрос, пустив слезу))
Смех, да и только
Женщина смеется игриво и кокетливо, а мужчина раскатисто.
Так Николо Паганини в своем 13 каприсе (си-бемоль мажор) с помощью скрипки демонстрирует различные оттенки человеческого смеха:
Когда посмеялся на бис.
У меня даже без гитары так не получится
Рахманинов по-американски
США – мастер по поглощению и переработке чужих национальных культур.
Оно и понятно: страна молодая, времени для того, чтобы вырастить свои традиции, у неё не было. Но много денег и поток эмиграции артистической элиты из Европы после мировых войн и революций сделали свое дело. Америка смогла таким образом накопить богатый культурный капитал.
В частности, американцы преуспели в производстве качественных эстрадных шлягеров на основе лучших мелодий из европейской и русской классической музыки.
Имеются в виду те случаи, когда из популярного классического произведения берётся мелодия, на неё накладываются слова и в итоге в массовый оборот выпускается новая песня.
Обычно автор аранжировки в таких случаях указывался как композитор, а имя того классика, который, собственно, эту мелодию и сочинил, чаще всего не упоминается. Типа и так все знают, что это классика!
Для примера – три американских эстрадных шлягера, созданных на основе мелодий Сергея Рахманинова, а точнее, на темах из его Второго, так любимого в Америке, фортепианного концерта.
Здесь вы сможете послушать песни-шлягеры, сам оригинал и собственноручно сравнить их.
1. ”I Think Of You” (“Я думаю о тебе”) 1941
Авторами этой песни значатся Дон Маркотте (музыка) и Джек Эллиот (текст). Но по сути это слегка обработанная тема из первой части Второго концерта Рахманинова. Оригинал можно послушать на последнем видео с 3:00
В результате переработки рахманиновская тема превратилась в типично американскую шикарно оркестрованную мелодию:
Её спел 26-летний Фрэнк Синатра на самой заре своей карьеры в 1941 году. Знал ли об этом заимствовании Рахманинов, и если знал, то как на это реагировал – неизвестно.
2. “Full Moon and Empty Arms” (“Полная луна и пустые объятья”) 1945
Тему третьей части того же Второго концерта Рахманинова взяли для своей песни Бадди Кей и Тед Моссман.
Песня имела фантастический успех и к настоящему времени стала уже легендарной. Её перепели многие звёзды американской эстрады, она существует во множестве инструментальных версий (симфонических и джазовых).
Всё это, конечно, благодаря гениальной мелодии Сергея Васильевича Рахманинова, которую можно слышать на последнем видео с 23:50. Но деньги на ней заработали Бадди Кей и Тед Моссман.
Ну и конечно, успех этой песни пошёл в карьерный зачёт тому же Фрэнку Синатре – ее первому исполнителю:
Эту песню написал большой любитель Рахманинова, американский певец, клавишник и композитор Эрик Кармен. У сегодняшних слушателей эта композиция чаще ассоциируется с голосом Селин Дион.
А тогда, в 1976 году, эта песня вышла миллионным тиражом и ей был присвоен статус золотого диска.
“Аll by myself“ сконструирована на основе мелодии второй части того же самого многострадального и залюбленного американцами Второго фортепианного концерта Рахманинова (не один в один, но все же весьма узнаваема). Послушать оригинал можно на последнем видео с 20:05.
Правда, наследники Рахманинова на этот раз выставили претензии Кармену, и в итоге ему пришлось таки делиться с ними авторскими отчислениями.
“Аll by myself ” в исполнении Эрика Кармена:
Тот, кто написал «Танец с саблями»
Все знают эту мелодию:
Мистер Бин в роли дирижера отлично отработал! (На самом деле за дирижерским пультом 18-летний Мигран Агаджанян)
Интересно, что изначально в балете было всего четыре танца, и приказ добавить пятый был спущен “сверху”. Сам композитор был этим оооочень недоволен, но ему пришлось подчиниться. Тогда он ещё не знал, что “Танец с саблями” станет одним из самых известных балетных произведений в мире.
А потом началась лавинообразная мировая популярность этой музыки уже отдельно от балета в качестве концертной пьесы, и Хачатурян стал “Тем, кто написал “Танец с саблями”.
Хачатурян был этому совсем не рад, точно так же, как и другие авторы мега-хитов: “Тот, кто написал “Лунную сонату”, “Тот, кто написал Болеро” и “Тот, кто написал ТУ САМУЮ прелюдию”(имеется в виду рахманиновская Прелюлия до-диез минор).
Так же, как и Бетховена, Равеля и Рахманинова, Хачатуряна ужасно раздражал шумный успех этого Танца.
“Честное слово, если бы я знал, что он получит такую популярность и начнёт расталкивать локтями другие мои сочинения, я бы никогда его не написал!”, – говорил он.
Что еще можно послушать у этого красочного композитора?
«Лезгинка» из того же балета “Гаяне”:
Это не просто лезгинка, а ух!-лезгинка, по которой можно проверить уровень оркестра и дирижёра. Второй “Полёт шмеля”, но только во много раз горячее!
Всем известный вальс из музыки к драме Лермонтова “Маскарад”:
Как говорил о себе сам Хачатурян, ”я скорее печальный человек, чем весёлый”. Но музыка его – это вечный праздник жизни. О чём бы он не писал, всё у него получалось феерично, ярко, щедро и жизнеутверждающе. Поэтому он был так любим всеми. Нашему прагматичному миру не хватает этой свободной роскоши красок и эмоций.
Хип-хоп под барочную музыку
Но самое сильное впечатление на публику произвела последняя её часть, когда на сцену вышла команда из 29 хип-хоперов и устроила баттл под музыку «Танца дикарей» Рамо (ролик в самом конце).
Но хип-хоперские пляски под старинную музыку были придуманы не ради хайпа. Чтобы понять идею, нужно кое-что объяснить.
Что же такое «Танец дикарей»?
Это один из хитов французской барочной музыки. Написал его Жан Филипп Рамо, современник Баха.
«Танец дикарей» существует в двух авторских вариантах: в виде пьесы для клавесина и как часть оперы-балета «Галантные Индии».
Вот так он звучит в первоначальной версии в исполнении хоть и необутого, но очень известного французского клавесиниста Жана Рондо:
А вот так эти «Дикари» выглядят в оркестровом варианте. Ролик очень забавный благодаря комическому таланту колоритной дамы из оркестра, играющей на тамбурине:
Имеются в виду американские индейцы. Как известно, французы ещё с 16 века начали колонизацию Северной Америки и увидели там много удивительного. Прежде всего, людей, не затронутых цивилизацией.
И последний вопрос: какие «Индии» и почему они «галантные»?
«Индиями» во Франции называли все неевропейские страны, в глазах французов они были окружены ореолом экзотики.
А галантные потому, что дикари в сюжете этой оперы проявляют чудеса благородства в амурных ситуациях.
Мораль всех этих историй примерно такая:
Для эпохи Просвещения, принимавшей рабство как норму, это было очень важное достижение. Но сейчас, в наше время оголтелой толерантности, да ещё в Париже, где французы уже мало похожи сами на себя, такой оперный месседж как-то не очень свеж, мягко говоря.
Поэтому в Париже переориентировали смыслы этой оперы на ситуацию с европейскими мигрантами. Режиссёр-постановщик оперы Клеман Когиторе высказался по этому поводу примерно в так: «Индии теперь не за дальними морями, а через квартал от вас».
Никогда не догадаетесь, о чём поют здесь солисты и хор: они прославляют мирные леса и мирные сердца, в которых нет места разрушительным желаниям. Но сила и агрессия этих танцев выворачивает наизнанку все смыслы оперы про добрых и чистых сердцем туземцев.
Это Глюк
То, как мы видим общую картину классической музыки сегодня, довольно сильно отличается от того, как всё выглядело на самом деле в далёкой исторической реальности. Статус великих и гениальных композиторов имели совсем не те, кого мы сегодня так называем.
К примеру, в 18 веке «великим Бахом» был не Иоганн Себастьян, а его сын Карл Филипп Эммануил.
Имя Моцарта тоже не сияло так ослепительно, как сейчас. В его эпоху главным оперным гением европейского масштаба считался
Кристоф Виллибальд Глюк.
И не только считался, он им и был!
И именно благодаря Глюку в балете сейчас есть сюжет, а в опере музыка прямо выражает человеческие эмоции, и певцы там не только поют, но и играют свои сценические роли.
Глюк был сыном лесника, но продолжать семейное дело не хотел, и в 15 лет, поссорившись с отцом, ушёл из дома. Он хотел быть музыкантом.
Пройдя суровую жизненную школу и закалив в разнообразных испытаниях свой на редкость твёрдый характер, к сорока годам Глюк уже был в статусе прославленного оперного композитора, работы которого имели грандиозный успех.
Имя Глюка было у всех на устах, и к концу жизни Глюк был уже очень богат и знаменит на всю Европу не только как музыкант, но и как идеолог нового искусства.
Неплохой жизненный финал для сына лесника!
Но как же преходяща человеческая слава. Нет, Глюк с годами не был забыт, но столетия спустя он стал кем-то вроде «свадебного генерала» на празднике классической музыки. Все вроде бы в курсе, что человек заслуженный, но в топе самых исполняемых композиторов его нет.
Вот пара известных фрагментов из Глюка, которые непременно стоит послушать, чтобы получить о нём хотя бы самое общее представление.
И невероятно нежная и красивая Мелодия из оперы «Орфей и Эвридика».
Le Figaro: «слишком белый, слишком старый, слишком мужчина» — в юбилейный год Бетховена захотели «отменить»
«Культура отмены» добралась до классики: пока по всему миру из-за пандемии отменяли мероприятия в честь 250-летия со дня рождения Бетховена, в англоязычных СМИ его произведения назвали символом дискриминации и элитизма классической музыки, пишет Le Figaro. Музыковед Бернар Фурнье встал на защиту великого немецкого композитора: он утверждает, что активное обсуждение наследия Бетховена объясняется современностью созданных им шедевров, а продвижение общечеловеческих ценностей делает из него фигуру мирового искусства.
Независимая газета Кембриджского университета Varsity 25 декабря опубликовала на своём сайте статью, где задавался очень серьёзный вопрос: нужно ли «отменить» Бетховена? «Странный рождественский подарок для композитора, чей 250-летний юбилей праздновали 10 дней назад», — рассуждает Le Figaro. Однако в 2020 году, когда во всём мире должны были чествовать автора многочисленных шедевров классической музыки, всё пошло не совсем так, как задумали — и коронакризис стал не единственной песчинкой, которая остановила машину.
Пандемия привела к отмене большей части запланированных празднеств в прошлом году, включая Бетховенский фестиваль в его родном городе Бонне. Но этим всё не закончилось: осенью в англоязычном сообществе разгорелись оживлённые споры о том, что знаменитый композитор «слишком белый, слишком мужчина, слишком устаревший» (too pale, too male, too stale). Таким образом, предполагает французская газета, автор «К Элизе», «Оды к радости» и «Лунной сонаты», которые относятся к самым знаменитым произведениям классической музыки, стал для некоторых символом культуры, которая продвигает превосходство белой расы, мужчин и консерватизма.
Как рассказывает французское издание, причиной полемики стала статья «Как Симфония №5 Бетховена закрепила «классицизм» в классической музыке», которую в сентябре опубликовал американский сайт Vox. В тексте утверждалось, что с 1808 года эту «борьбу до победного конца» интерпретировали как метафору силы духа композитора перед неотвратимо наступающей глухотой — «или скорее на протяжении долгого времени это было устоявшееся мнение среди людей у власти, особенно белых богатых мужчин, которые приняли Бетховена и сделали из симфонии символ своего превосходства и важности». Для некоторых же групп — женщин, представителей LGBTQ и расовых меньшинств — эта симфония, по мнению авторов, «может главным образом стать напоминанием об истории дискриминации и элитизме классической музыки».
Такое утверждение спровоцировало гнев многочисленных защитников Бетховена и является «искажением истории», как настаивает музыковед и лектор Бернар Фурнье. Выдающийся специалист по шедеврам Бетховена, автор монументальных трудов о его произведениях, он не скрывает своего возмущения полемикой, зародившейся по ту сторону Атлантики. Эксперт напоминает, что Пятая симфония — «это просто энергия музыки против фашизма»: не случайно начало этого произведения стало лейтмотивом Radio Londres — французского радио сопротивления, вещавшего из Лондона в 1940—1944 годах, а отрывок из Девятой включают каждый раз, чтобы отметить победу мира или свободы. «Это произведения, которые своей энергией призывают сопротивляться мировым потрясениям», — подчёркивает Фурнье. Поэтому для него поднятый некоторыми англоязычными СМИ вопрос об «отмене» Бетховена, который якобы занимает слишком большое место в истории и затмевает наших современников, не является серьёзным. «Эта кампания — лишь очередная выдумка некоторых крикливых идеологий», — уверен музыковед, который видит в ней две задачи. С одной стороны — «желание свергнуть любой ценой кумиров и той эры героев, частью которой является Бетховен — символ силы духа человека, который преодолел драму своей глухоты». С другой — «вызывающая беспокойство эволюция музыковедения в сторону прикладной социологии и в ущерб научной точности, которую оно предполагает».
Французская газета отмечает, что катализатором такой тенденции стало движение Black Lives Matter. Примером этому служит призыв «деколонизировать музыку», который в форме открытого письма получили на музыкальном факультете Кембриджского университета. В нём сотни подписавшихся осуждают «расизм в изучении и интерпретации классической западной музыки». По их мнению, он является «хронический и комплексной проблемой, которая воспроизводится самой структурой культуры классической музыки» и приводит к исключению «небелых» композиторов из учебного материала.
В конце своего анализа Le Figaro задаётся вопросом: почему спустя 250 лет после своего рождения Бетховен оказался жертвой возвращения в поле общественной дискуссии, так что даже стал самым цитируемым композитором в интернете за 2020 год по данным платформы SoClassiq. Возможное объяснение этому феномену Фурнье видит в постоянной актуальности его наследия: «Независимо от эпохи, он всегда наш современник». Современность Бетховена эксперт находит в инновационных музыкальных приёмах, которые повлияли на развитие музыки и предвосхитили джаз, передаче идей в соблюдении идеального баланса между субъективным и универсальным, а также провозглашение общечеловеческих ценностей, которые делают его, хотим мы этого или нет, фигурой мирового искусства.